Este viernes se puede regresar de Troya, entrar en una casa dominada por fuerzas demoníacas, sobrevivir entre rejas o acompañar a quienes todavía buscan su lugar en el mundo. La cartelera renueva sus títulos con una selección que combina grandes producciones, cine independiente, propuestas europeas y nuevas miradas del audiovisual estatal.
‘La odisea’ concentra buena parte de la atención, pero no navega sola. El terror regresa con una de sus sagas más reconocibles, mientras los dramas íntimos, la comedia y varios títulos de autor ofrecen alternativas para quienes prefieren alejarse de los grandes espectáculos. Estas son diez películas para elegir butaca y refugiarse durante unas horas en la oscuridad de una sala.
‘La odisea’: el regreso más grande a casa
Después de adentrarse en la mente, el tiempo, los sueños y la física nuclear, Christopher Nolan dirige la mirada hacia uno de los relatos fundacionales de la literatura occidental. ‘La odisea’ traslada a la gran pantalla el poema atribuido a Homero y acompaña a Odiseo durante el largo regreso a Ítaca después de la guerra de Troya.
Matt Damon interpreta al héroe griego en un viaje dominado por dioses, monstruos, tentaciones y naufragios. Lo rodea uno de los repartos más llamativos del año: Tom Holland, Anne Hathaway, Zendaya, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o y Charlize Theron, entre otros. La película se aproxima a las tres horas de duración y convierte la espera del protagonista por volver a casa en una aventura de dimensiones épicas.
La producción también supone un nuevo desafío técnico para Nolan. Universal presenta la cinta como la primera adaptación que lleva la epopeya homérica a las pantallas IMAX, para cuyo rodaje se empleó una nueva tecnología de película desarrollada para este formato. Una escala visual pensada para que el espectador no se limite a contemplar el viaje, sino que parezca embarcarse en él.
‘Posesión infernal: En llamas’: el duelo abre la puerta al horror
Pocas sagas han demostrado tanta facilidad para cambiar de protagonistas y escenarios sin renunciar a su identidad. ‘Posesión infernal: En llamas’ recupera el Necronomicón, las posesiones demoníacas y la violencia desatada que Sam Raimi convirtió en señas reconocibles del género hace más de cuatro décadas.
La historia sigue a Alice, interpretada por Souheila Yacoub, una mujer que busca refugio en la aislada casa familiar de sus suegros después de la muerte de su marido. Lo que comienza como un encuentro marcado por el duelo se transforma en una pesadilla cuando los miembros de la familia empiezan a convertirse en Deadites. Tandi Wright, Hunter Doohan y Luciane Buchanan completan el reparto principal.
El francés Sébastien Vaniček toma el relevo detrás de la cámara después de llamar la atención con ‘Vermin: La plaga’. Sam Raimi continúa vinculado como productor a esta sexta película de la franquicia, planteada como una historia independiente que puede seguirse sin conocer las entregas anteriores. Sus 110 minutos prometen una combinación de suspense, violencia explícita y gore que no esconde cuáles son sus intenciones.
Como curiosidad, Vaniček reveló que una de las escenas tuvo que ser recortada para lograr la calificación por edades prevista en Estados Unidos. El director ya ha avanzado que una futura versión del montaje recuperará un contenido todavía más extremo que el proyectado en las salas.
‘Ni contigo ni sin mí’: cumplir 40 cuando todo se desmorona
Ernesto acaba de ser abandonado por su mujer justo cuando se dispone a celebrar su cumpleaños. Lo que podría convertirse en una noche para olvidar termina reuniéndolo con sus amigos y enfrentándolo a una etapa de la vida en la que las relaciones, las expectativas y las decisiones pendientes empiezan a pesar de otra manera.
María Ruiz escribe y dirige esta comedia sobre el amor, el desamor y las contradicciones emocionales que aparecen alrededor de los 40. Gorka Otxoa encabeza un reparto integrado por Adrián Lastra, Manuela Vellés, Cristina Maisonnave e Iván Sánchez, encargado de transformar una ruptura sentimental en una sucesión de encuentros, malentendidos y segundas oportunidades.
La película no busca únicamente averiguar si una pareja debe permanecer junta o separarse. También se fija en esa edad en la que los planes trazados años atrás se comparan inevitablemente con la vida real y en cómo los amigos pueden convertirse en el refugio cuando la estabilidad se rompe.
Omaha: un viaje familiar con un destino incierto
Un padre despierta de madrugada a sus hijos, Ella y Charlie, y los invita a subir al coche sin explicarles demasiado. Acaban de perder su casa y emprenden un largo viaje por carretera hacia Omaha. Para los pequeños, el trayecto tiene algo de aventura; para el espectador, cada parada aumenta la sospecha de que el destino oculta algo que ellos todavía desconocen.
John Magaro interpreta a ese hombre desbordado por el duelo y las dificultades económicas, mientras Molly Belle Wright y Wyatt Solis encarnan a los dos hermanos. La historia se contempla principalmente desde los ojos de Ella, una niña de nueve años que empieza a comprender que las respuestas evasivas de su padre esconden una decisión difícil.
Con una duración de apenas 84 minutos, la película evita el melodrama y confía buena parte de su fuerza en los silencios, los paisajes del oeste estadounidense y la tensión que se instala dentro del automóvil. Omaha supone el debut en el largometraje de Cole Webley y compitió en el Festival de Sundance, donde llamó especialmente la atención la interpretación de la joven Molly Belle Wright.
La historia está inspirada en un sorprendente episodio ocurrido en Nebraska en 2008. El Estado aprobó una ley que permitía dejar a menores en los hospitales sin consecuencias penales, pero olvidó establecer un límite de edad. Durante los 127 días que permaneció vigente su primera redacción fueron entregados 36 niños y adolescentes, algunos llegados desde otros territorios. La norma tuvo que modificarse para restringirla a los bebés. Ese vacío legal es el trasfondo real que convierte el aparentemente inocente viaje de Omaha en algo mucho más inquietante.
‘Hombres de acero’: una celda a punto de estallar
Después de trece años entre rejas, Taylor está muy cerca de obtener la libertad condicional y recuperar la relación con su hijo adolescente. Su salida depende de mantener una conducta irreprochable durante las últimas semanas, pero la llegada de Dee, su nuevo compañero de celda, amenaza con arrastrarlo nuevamente hacia la violencia.
David Jonsson interpreta a un preso vulnerable que intenta sobrevivir sin llamar la atención, mientras Tom Blyth encarna a un recién llegado carismático, imprevisible y decidido a alterar el equilibrio de poder de la cárcel. La relación entre ambos sostiene un thriller que convierte la celda en un espacio asfixiante donde cualquier deuda, favor o gesto de lealtad puede tener consecuencias.
Cal McMau debuta en el largometraje con una historia de 90 minutos que no se limita al enfrentamiento entre reclusos. La película también observa la masculinidad, las jerarquías carcelarias y las dificultades para imaginar una vida fuera de una institución que termina condicionándolo todo. Su trabajo le valió el premio Douglas Hickox a la mejor dirección novel en los British Independent Film Awards y una nominación al Bafta al mejor debut británico.
Para reforzar el realismo, parte del rodaje se realizó en la antigua prisión de Shepton Mallet, una cárcel inglesa que permaneció operativa hasta 2013. La producción contó además con antiguos reclusos como asesores y figurantes, lo que permitió reproducir códigos, comportamientos y formas de hablar del entorno penitenciario. Curiosamente, el proyecto pasó años detenido: los hermanos Safdie estuvieron vinculados inicialmente a su dirección, pero terminaron abandonándolo para rodar Diamantes en bruto.
'Apuntes para una ficción consentida': buscar un lugar propio
Para quienes buscan una propuesta alejada de las fórmulas más convencionales, Apuntes para una ficción consentida se mueve en la frontera entre la realidad y la ficción. Lea Grand es una actriz suiza instalada en Madrid que intenta encontrar su sitio en una ciudad, una profesión y una lengua que todavía siente ajenas. En su camino aparecen una joven intérprete, una expareja, un pianista que no habla, una vecina y hasta un enfermero especializado en murciélagos, personajes que forman un pequeño mapa humano alrededor de su desarraigo.
Isabelle Stoffel encabeza el reparto junto a Àlex Brendemühl, Violeta Rodríguez, Manfred Liechti y Mona Petri. Ana Serret Ituarte, procedente del documental, firma su primer largometraje de ficción con una propuesta que se detiene en los gestos cotidianos y aborda la identidad, la vulnerabilidad y las dificultades de construir una vida lejos del lugar de origen.
La película se mueve deliberadamente en un terreno ambiguo. Lea no es Isabelle Stoffel, aunque el personaje incorpora experiencias reales de la actriz: su llegada desde Suiza, el trabajo en otro idioma y un proyecto de paseos sonoros creado a partir de los recuerdos de residentes de un centro de mayores. Stoffel no tuvo que interpretarse exactamente a sí misma, pero tampoco pudo construir el papel desde cero.
De ahí procede también el título. Serret define la obra como una «ficción consentida» por su protagonista, cuya biografía sirve como punto de partida antes de transformarse delante de la cámara. El guion comenzó a desarrollarse en la primera edición de las Residencias de la Academia de Cine y terminó rodándose entre Madrid y Basilea, las dos ciudades entre las que transcurre también la vida de Stoffel.
'La vida es Verdi': cien años mirando la pantalla
Para quienes todavía consideran las salas un lugar de encuentro y no solamente una pantalla, La vida es Verdi celebra un siglo de memoria cinéfila. Yasmina y Séfora están aburridas durante el verano y deciden rodar un documental sobre los Cines Verdi, la sala donde se casó la abuela de una de ellas. Su investigación las lleva a organizar un peculiar casting por el que pasan trabajadores, espectadores, cineastas y otras personas vinculadas a un espacio que ha acompañado durante un siglo la vida del barrio barcelonés de Gràcia.
Berta García-Lacht combina documental, comedia y ficción para contar la historia del cine en activo más antiguo de Barcelona. La película no se limita a reconstruir fechas y transformaciones: observa cómo una sala puede integrarse en la memoria sentimental de un barrio y convertirse en lugar de encuentro para varias generaciones de espectadores.
Isabel Coixet, Albert Serra, J. A. Bayona y Richard Gere aparecen entre los participantes de esta celebración cinematográfica, acompañada por una banda sonora de Sílvia Pérez Cruz. La mirada de las dos niñas permite recorrer el pasado del Verdi con humor y mantener cierta distancia frente al tono solemne que suelen adoptar los homenajes institucionales.
La sala abrió sus puertas el 11 de febrero de 1926 bajo el nombre de Salón Ateneo Cine y proyectó como primera película el drama francés Los náufragos del destino. Un siglo después, no solo continúa abierta, sino que ha ampliado sus instalaciones: mientras la asistencia general a los cines descendía, el Verdi recibió alrededor de medio millón de espectadores en 2024 y aumentó su público un 30 %. Su supervivencia convierte el documental en algo más que un ejercicio de nostalgia.
'En el camino': deseo entre asfalto y desierto
Para quienes prefieren las historias que transitan por territorios poco habituales, "En el camino" lleva el romance y el suspense hasta las carreteras del norte de México.
Veneno es un joven que sobrevive en restaurantes de carretera manteniendo encuentros con camioneros. Allí conoce a Muñeco, un conductor solitario marcado por el alcohol y las drogas, y decide acompañarlo en su recorrido. La convivencia dentro del camión aproxima a dos hombres acostumbrados a ocultar sus emociones, pero la aparición de varias personas del pasado de Veneno pone en peligro el vínculo que comienza a surgir entre ellos.
David Pablos sitúa esta historia en un ambiente dominado por la soledad, la violencia y una idea rígida de la masculinidad. Osvaldo Sánchez y Víctor Miguel Prieto protagonizan una ‘road movie’ de 93 minutos en la que el paisaje desértico y la cabina del camión funcionan como dos espacios opuestos: uno parece no tener límites; el otro obliga a los personajes a convivir con una intimidad para la que no estaban preparados.
Rodada íntegramente en Ciudad Juárez, la película combina intérpretes profesionales con actores naturales y habitantes de la zona. Víctor Miguel Prieto, que encarna a Veneno, debuta delante de la cámara, mientras buena parte del reparto está formado por personas sin experiencia interpretativa. Producida, entre otros, por Diego Luna, En el camino ganó el premio a la mejor película de la sección Horizontes y el León Queer en el Festival de Venecia. Además, encabeza las candidaturas a los premios Ariel de 2026 con trece nominaciones.
'Supergirl': una heroína de viaje por las estrellas
Para quienes todavía quieren aprovechar la gran pantalla para viajar a otros mundos, Supergirl se mantiene en cartelera con una aventura espacial que amplía el nuevo universo cinematográfico de DC.
Kara Zor-El recorre la galaxia junto a Krypto para celebrar su 23.º cumpleaños lejos de la Tierra. Durante el viaje conoce a Ruthye, una joven empeñada en vengar la muerte de su padre, y termina acompañándola en la búsqueda de Krem de las Colinas Amarillas. La misión obliga a Supergirl a enfrentarse tanto a un enemigo despiadado como a los recuerdos de la destrucción de Krypton.
Milly Alcock, conocida por interpretar a la joven Rhaenyra Targaryen en La casa del dragón, encarna una versión más impulsiva y desencantada de la prima de Superman. Craig Gillespie dirige la película a partir del cómic Supergirl: La mujer del mañana, de Tom King y Bilquis Evely, y convierte la historia en una mezcla de aventura interplanetaria, relato de venganza y viaje de aprendizaje. Eve Ridley y Matthias Schoenaerts completan el reparto principal.
La producción construyó nueve mundos diferentes y creó cinco lenguas para sus habitantes; Alcock tuvo que aprender fragmentos de todas ellas, incluido el kryptoniano. Pero la aparición más llamativa corresponde a Jason Momoa: después de interpretar a Aquaman durante años, regresa al universo DC convertido en Lobo, el violento cazarrecompensas alienígena al que llevaba tiempo queriendo dar vida. Su entusiasmo fue bastante directo: cuando James Gunn asumió el control creativo de DC, el actor le escribió un mensaje de solo dos palabras para pedirle el personaje: «Jodido Lobo».
Toy Story 5: los juguetes frente a las pantallas
Para quienes buscan una película que puedan compartir distintas generaciones, Toy Story 5 mantiene en cartelera a los personajes de Pixar ante un enemigo muy reconocible para cualquier familia: el tiempo que los niños pasan frente a una pantalla.
Bonnie ya tiene ocho años y ha dejado a Jessie al frente de su habitación, con Buzz Lightyear como compañero inseparable. La llegada de Lilypad, una tableta inteligente con forma de rana, cambia sus hábitos y relega a los juguetes a un segundo plano. Ante la posibilidad de volverse definitivamente innecesarios, el grupo vuelve a reunirse con Woody para descubrir si todavía queda espacio para ellos.
Andrew Stanton, director de Buscando a Nemo y WALL-E y coguionista de las cuatro entregas anteriores, toma las riendas de la saga. Tom Hanks, Tim Allen y Joan Cusack recuperan las voces originales de Woody, Buzz y Jessie, mientras Greta Lee interpreta a Lilypad. El conflicto actualiza una pregunta que acompaña a la franquicia desde 1995: qué ocurre con los juguetes cuando sus propietarios dejan de necesitarlos.
La primera Toy Story fue el primer largometraje realizado íntegramente mediante animación digital; tres décadas después, la propia tecnología se convierte en la principal amenaza de sus protagonistas. El regreso ha demostrado que la saga conserva su atractivo: la quinta entrega logró el mayor estreno mundial de 2026 y el segundo mejor debut de una película de animación en la taquilla norteamericana. Pixar ha encontrado así una paradoja difícil de ignorar: utilizar sus herramientas digitales más avanzadas para defender el valor de jugar sin pantallas.
Entre viajes mitológicos, carreteras solitarias, cárceles, posesiones y juguetes que se resisten a desaparecer, la cartelera permite elegir esta semana sin permanecer necesariamente en un solo género. Nolan concentra el mayor espectáculo, pero alrededor de su epopeya sobreviven historias más pequeñas, propuestas familiares y películas que todavía confían en la sala como el lugar adecuado para descubrir otros mundos. Porque, al menos durante unas horas, perderse continúa siendo una buena razón para ir al cine.